РЕЦЕНЗИИ P-R

Jeff Parker - "The Relatives"
Thrill Jockey, 2005
40:52
****
Чикагская джазовая сцена - сильная, оригинальная, живущая весьма интенсивной жизнью - в глазах мирового, да и американского слушателя находится в безнадежной тени сцены нью-йоркской. А жаль. В Чикаго много сильных музыкантов - вот, например, гитарист Джефф Паркер. Участник колоссального числа проектов в самом широком стилистическом диапазоне - от нойз-рока до бибопа, член Chicago Underground Orchestra, Tortoise и Isotope 217, сайдмен на записях традиционалиста Николаса Пэйтона, ветерана чикагского авангарда Фреда Андерсона и самого известного молодого джазмена Чикаго - Кена Вандермарка... Вторая сольная работа Паркера на маленьком канадском лейбле аскетична по звуку, насыщена идеями и завидно разнообразна - темброво и стилистически. Джефф не боится внезапных фактурно-стилевых скачков прямо посреди композиции, хотя этого ох как не любят ценящие чистоту жанра джазовые критики, и совершенно не подвержен профессиональной фобии большинства гитаристов - сыграть меньше нот на единицу времени, чем положено. Как результат, ритмические и гармонические фактуры альбома прозрачны и легко читаются, бибоп изящно уживается с ритм-н-блюзом и даже со скромными, но достойными электронными "лупами", а импровизационная мысль всех четверых участников записи (кроме Паркера - клавишник Сэм Баршешет, басист-гитарист-флейтист-перкуссионист Крис Лопес и барабанщик Чед Тейлор) ясна и доступна далеко не только знатокам джаза. Весьма, весьма достойная работа.

Art Pepper - "The Intimate Art Pepper" 
Analogue Productions Revival Series, 1997
Канзасский аудиофильский лейбл Analogue Productions осуществляет целую серию переизданий альбомов альт-саксофониста Арта Пеппера, записанных с 1976 по 1982 - с момента его возвращения к активной жизни (после многолетней трагической битвы с героиновой зависимостью) и до смерти. Сам Пеппер говорил, что "начал жить после 50", то есть в 1976. Этой второй жизни ему было отпущено шесть лет, но за этот срок он успел сделать едва ли не больше, чем за 50-60-е годы, вместе взятые.
Не ищите на обложке CD имен музыкантов, ссылок на место и дату записи. Их там нет. Видимо, лейбл интересует исключительно звук. Не зря: как в творческом, так и в звуковом плане альбом превосходен. Пеппер играет несколько пьес на кларнете - и как играет! Кроме того, один трек сыгран вообще соло, и это одна из самых впечатляющих сольных записей, что я слышал.
Мастеринг был осуществлен на полностью аналоговом комплексе Wilson Audio Custom Tube Mastering, смонтированном Стэном Риккером (он же - инженер мастеринга) в студии RTI (Калифорния). Серия переизданий Арта Пеппера - первая работа, выполняемая на этом полностью ламповом комплексе, позволяющем изготовлять и мастер-CD, и матрицу для LP (альбом выпущен в обоих форматах). Оригинал с аналоговой ленты (в сольных пьесах впечатляюще, совершенно не браком, слышен копир-эффект оригинала!) воспроизводился через предусилитель VTL PR9 Ultimate и ламповые моноблоки VTL MB300 Signature; использован 20-битный конвертер VTL TDAC-2.

Oscar Peterson - "Trail Of Dreams. A Canadian Suite." 
Telarc, 2000
52:27
***
Типичный случай так называемого "датского" творчества - не потому, что в записи участвует многолетний партнер великого канадского пианиста, датский контрабасист Нильс-Хеннинг Эрстед Педерсен, а потому, что "Канадская сюита" написана "к дате" - к открытию Трансканадской пешей туристской тропы длиной в 16 000 км, которая и фигурирует в названии как "Тропа мечты". Дело в том, что канадские власти пристально следят за национальной культурой и особо отмечают "канадские по содержанию" проекты, в том числе, говорят - и налоговыми послаблениями. Так что нет ничего удивительного в том, что Питерсон в столь преклонном возрасте столь срочно (буквально за несколько месяцев прошлого года) написал патриотически-туристскую сюиту, в музыке которой, впрочем, при ближайшем рассмотрении не оказалось ничего специфически канадского - ну, кроме названий пьес. По мягкой и изысканной балладе во втором треке, например, ну никак не скажешь, что это - "Утро в Ньюфаундленде", а по столь же плавной и ласкающей слух теме седьмого трека - что она посвящена именно национальному парку Банф. Это типичная эстрадно-джазовая, вполне интернациональная по тематике продукция, обретающая особенно эстрадный оттенок благодаря участию струнного оркестра под управлением Мишеля Леграна. Впрочем, легко могу себе представить эту музыку в фонограмме видового фильма о красотах Тропы.
Технически запись выше всяких похвал, хотя в музыкальном плане наличествует ряд слабых мест - дело в том, что запись проводилась на следующий день после премьерного исполнения сюиты в Торонто, которому предшествовал всего один день репетиций. То в четвертом треке Ульф Вакениус комкает конец гитарного соло, дожидаясь, когда наконец вступят струнные с темой; то в финальном "Гимне Новому краю" Мартин Дрю заканчивает дробь в коде раньше, чем "снимут" скрипки... Тем не менее, звук превосходен: это очередной эксперимент Telarc с однобитной технологией Direct Stream Digital, которая позволяет добиться куда большего динамического диапазона и куда большей музыкальности, нежели другие цифровые алгоритмы. Хотя запись делалась на менее штучной и дорогой аппаратуре, чем обычно у Telarc (студия Manta Eastern Sound в Торонто), качества звучания - особенно впечатляет обволакивающий "сурраунд" там, где не звучат надоедливо-игривые струнные - весьма высоки.

Oscar Peterson - "The Lost Tapes" 
MPS Records, 1997
На этом виниле (!) представлены фрагменты записей, сделанных двумя составами трио плодовитого Оскара Питерсона в 1965-68 гг. на приватных концертах дома у германского миллионера Ханса-Георга Бруннер-Швера. Сей почтенный денежный мешок держал дома Studer и на V=38 отписывал свои домашние концерты. Вот с этих-то пленок пластинка и собрана. Звук интересен прежде всего абсолютной дикостью и сыростью: ясно слышна неправильно разведенная стереопара ламповых микрофонов. Любой гониометр показывает значительный перекос стереобазы, но и это полбеды - частотная картинка при записи не корректировалась никак, а помещение обладало хар-рошим резонансом по низкой середине, что особенно "приятно" в звуке контрабаса. Кроме того, немногочисленные гости концертов (видимо, сливки общества) громко разговаривают и жуют. Лихая доля досталась тому, кто делал мастеринг, да еще и под винил! (Кстати, не указано, кто и где). В довершение всех радостей у Studer'a явно были проблемы с кварцовкой - в первом и еще нескольких треках скорость ощутимо плывет.
купить

Oscar Peterson & Benny Green - "Oscar & Benny" 
Telarc, 1998
68 минут
Для комплекта - еще один новый теларковский 20-битник. В долгой и яркой жизни великого канадца Оскара Питерсона это не единственный альбом, записанный таким вот составом - два фортепиано, бас и ударные. Достаточно вспомнить блестящую работу с Каунтом Бейси - "Satch & Josh". Здесь на втором фоно - Бенни Грин, тридцатипятилетний белый выпускник "блэйковских университетов" (Jazz Messengers) и вполне уважаемый солист. Запись была сделана в Торонто, где живет Питерсон, в студии Manta Eastern Sound, 10-11 сентября 1997 года (инженер Джек Реннер). Писали через микрофоны Neumann и Audio-Technica и пульт Neve на 20-битный процессор Apogee, "апогеевским" же энкодером передискретизировали на CD-битность. Причем принципиально не пользуясь никакой обработкой - ни динамической, ни частотной. Каков результат? Ну, понятно, что записать в хорошей студии хорошие акустические инструменты можно и без частотной обработки, тем более если цель так и ставится - акустический натуральный звук. Хорошо слышен объем студии, а вот с разборчивостью некоторых фортепианных партий чуть хуже - все-таки Питерсон все еще полностью не оправился от инсульта 93-го года, и некоторая компрессия его партий не помешала бы. Тем не менее "темный", густой звук пластинки весьма впечатляет, хотя это и не этапная работа для Питерсона. Да и для Грина, наверное.

Oscar Peterson - "A Summer Night in Munich"
Telarc, 1999
Это уже десятый альбом канадского титана джазового фортепиано Оскара Питерсона на аудиофильском лейбле Telarc. И, честно сказать, субъективно он кажется лучшим из десяти. Во всяком случае, теперь можно с уверенностью сказать, что чудеса бывают и что 73-летний артист полностью восстановился после перенесенного в 1993 г. инсульта, вновь демонстрируя лучшие стороны своего фантастического фортепианного таланта. 
Альбом был записан на концерте в Мюнхенской филармонии 22 июля 1998 г. в составе квартета. На контрабасе - давний партнер Питерсона, датский музыкант Нильс-Хеннинг Эрстед Педерсен, обладатель сочного, полного тона и мощной атаки (сопоставимых с качествами игры другого басиста, также проработавшего с Питерсоном полтора десятилетия - Рэя Брауна). За ударными - британец Мартин Дрю, сотрудничающий с Питерсоном с начала 80-х. Новый член квартета Питерсона - виртуозный шведский гитарист Ульф Вакениус, выпустивший много отличных сольных записей, но прославившийся благодаря участию в записях Рэя Брауна. Заметим, ни одного гражданина США! С первого же блюзового трека Питерсон задает атомную интенсивность игры, свойственную его записям лучших и, во всяком случае, куда более молодых лет. Второй трек - впечатляющее лирическое полотно, импрессионистический, умиротворяющий дуэт гитары и фортепиано. Третий - мягкий, искушенный, гармонически богатый Latin под названием "Рыночная площадь в Нигерии"... Не снижая накала, музыканты проводят слушателя сквозь все 63 минуты записи (чего никак нельзя было сказать о предыдущих записях Питерсона). Невзирая на концертную природу этой записи, она почти лишена свойственных даже самым аудиофильным из теларковских концертных записей шероховатостей: помимо реакции зала, о том, что запись сделана на сцене, напоминает только странно уплощенный звук барабанов и их странноватый баланс относительно друг друга. Как обычно в релизах Telarc, на обложке можно почерпнуть массу технической информации о записи: микрофонный парк - Bruel & Kjaer 4052, Neumann KU100 и KM131, Audio-Technica ATM-35, Sennheiser MKH20 и MKH40, а также старая боевая лошадь для записи басов - AKG D1112; пульт Ramsa WR-S824B, вручную отстроенный Джоном Виндтом; цифровой тракт записи - прямоточный аналого-цифровой преобразователь dCS904 Direct, прямоточный же цифровой рекордер Sony, 8-канальный прямоточный цифровой рекордер Philips, 96-килогерцовый АЦП PCM dCS 902 и магнитооптические накопители Genex GX-8000. Запись осуществили Джек Реннер и Майкл Бишоп. Для мониторинга использовались усилители B&W, их же мониторы Matrix, а также Genelec 1031A и 1029A. Цифровой монтаж на Sonic Solutions осуществил Марк Робертсон-Тесси, а на 16 бит с 20-ти конечный результат был переведен по технологии Sony Super Bit Mapping Direct. Ну да, немаловажно еще, что Питерсон играл на рояле Boesendorfer. В отличие от многих выпускаемых Telarc "аудиофильных" записей, где техническое совершенство только более остро обнажает несовершенство творческое, на этом альбоме внушительный список дорогущих и сложнейших технических средств вовсе не заслонил музыкальности записи, воодушевления музыкантов. В кругах искушенных джазолюбов в последние годы принято саркастически улыбаться по поводу Питерсона; так вот, после этого альбома количество сарказма в таких улыбках, на мой взгляд, должно устремиться к нулю. Нет, Питерсон все еще первоклассный музыкант, с огромным опытом, вкусом, тактом и чувством меры. Ну, а что он не играет самоновейшие и супермоднейшие музыки - неудивительно, ведь его джазовой славе уже полвека. Удивительно другое, что сквозь принципиальную "чистую цифру" этой записи и через десятилетие тяжелых проблем со здоровьем музыканта мы слышим прежнего, нет - более мудрого и чистого Питерсона!

Pieces Of A Dream - "Sensual Embrace 2: More Soul Ballads"
Blue Note, 2004
***
(PLAY) Филадельфийский состав вспахивает поле комфортного, беспроблемного инструментального ритм-н-блюза с легким джазовым оттенком аж с 1975 г. - задолго до того, как появилось понятие и даже само явление smooth jazz, беззаботно сладкой инструментальной поп-музыки, излагаемой джазовым языком. Впрочем, "Кусочки сна" стояли у самых истоков - не зря три самых первых их альбома продюсировал сам создатель жанра, ныне покойный Гровер Вашингтон-мл. Новый альбом, как явствует из названия, продолжает линию предыдущего одноименного сборника, выходившего в 2001 г., и представляет собой коллекцию мягких, несложно аранжированных и со вкусом исполненных медленных и (изредка) среднетемповых соул-номеров, в которой доминирует типичная для smooth-жанра в целом звуковая комфортность и декларируемое отсутствие музыкальных событий и вообще развития заявляемых исполнительских решений. Тем не менее, это отличные звуковые обои, немало украшенные присутствием таких гостей-мастеров, как флейтист Хьюберт Лоуз или гитарист Пол Джексон-мл.

NEW Courtney Pine - "Devotion"
Telarc, 2004
44:30
****

Ведущий британский джазмен 90-х и начала нового тысячелетия, саксофонист Кортни Пайн любил ставить критиков в тупик. Он владеет множеством инструментов (сопрано, баритон, тенор-саксофоны, флейты, бас-кларнет, клавишные и т.д.) и множеством стилей. Этот темнокожий британец записывался и гастролировал с регги-певцами, играл ритм-н-блюз, соул, хип-хоп, традиционный джаз - и в каждом направлении добивался впечатляющих успехов. После мощного пост-бопового альбома со звездами современного американского мэйнстрима он выпускал альбом чистейшего хип-хопа, заставляя дружно плеваться тех же критиков, кто только что сулил ему славу нового Колтрейна, а вслед за этим выходил сборник ремиксов на записи Пайна, сыгранных ведущими британскими диджеями. С одной из версий своего обширного хип-хоп-джазового гастрольного коллектива Пайн лет пять назад посетил Россию, приведя в ужас джазовых пуристов, устроив добротное развлечение для хип-хоповой молодежи и очаровав молодых музыкантов впечатляющей эквилибристикой на различных саксофонах.
11-й сольный альбом Кортни Пайна был выпущен в Великобритании еще два года назад, но до его американского лейбла Telarc добрался только в конце прошлого года. Здесь 41-летний Пайн успешно и впечатляюще синтезирует все, чему научился за два десятилетия своей карьеры: музыка альбома - это и ритм-н-блюз, и регги, и этно-рок, и джаз... да, пожалуй, и хип-хоп, причем - одновременно. Сам Пайн играет на целом сонме инструментов - при добротной, искушенной поддержке как музыкантов своей "рабочей" группы, так и ряда британских звезд из самых разных жанров. Музыка в меру танцевальна, в меру развлекательна, в меру серьезна. Пайн - это слышно - саксофонист колоссальных возможностей. В общем, отличный альбом для того, чтобы демонстрировать любознательным подросткам: джаз - это не отнюдь не только когда серьезные старые дядьки играют что-то очень непонятное.

John Pizzarelli - "Knowing You"
Telarc, 2005
55:26
*****
Джон Пиццарелли - вокалист редких в наши дни качеств. Белый 45-летний итало-американец из Нью-Джерси, поющий свинговые стандарты и забавные песенки из наследия великих американских песенников начала-середины прошлого века; при этом - вполне удовлетворительный гитарист, умеющий развлечь публику унисонным или даже (изредка) гармоническим пением без слов параллельно с гитарным соло; при этом - продолжатель династии, сын одного из последних ярких гитаристов традиционного джаза, Бакки Пиццарелли... Кстати, Джон дебютировал в начале 80-х в ансамбле отца, да и сейчас 79-летний папа Бакки совсем не прочь выступить и записаться с сыном - правда, уже не как солист, а как один из последних мастеров аккордовой игры на свинговой ритм-гитаре.
Новый альбом Джона - 20-й в его дискографии и 6-й на Telarc - с уверенностью можно назвать лучшим (наряду с маленьким шедевром "After Hours" - Novus, 1995). За полтора десятилетия работы с постоянным квартетом (пианист Рэй Кеннеди, барабанщик Тони Тедеско и еще один член династии - контрабасист Мартин Пиццарелли, второй сын Бакки) взаимодействие Джона и его музыкантов достигло почти телепатического уровня, а изысканная работа приглашенных солистов изрядно украшает несложную игру ансамбля - особенно хочется отметить органиста Лари Голдингса, тенориста Харри Аллена и супругу Джона, певицу Джессику Моласки.
Самое главное здесь, впрочем, все-таки вокал Джона - бесхитростный, романтичный, безо всяких украшений и технических ухищрений. Это и есть сила Пиццарелли: спеть просто. Или - просто спеть. И попасть в точку.

Lonnie Plaxico - "Melange"
Blue Note, 2001
60:49
***
Басист Лонни Плэксико имеет почтенный послужной список: поиграл и у Уинтона Марсалиса, и в Art Blakey Jazz Messengers, и у Дейва Мюррея, и даже у Чета Бейкера. Но обычно его имя ассоциируется с направлением M-Base - граничащим с фри-фанком продуктом усилий ряда темнокожих музыкантов около 1955-60 годов рождения, само название которого говорит о его высокоинтеллектуальном наполнении (это аббревиатура, по-русски значащая что-то вроде "Макробазовое множество структурированных сиюминутностей"). Что и неудивительно: в последние 13 лет Плэксико служит музыкальным руководителем главной дивы раннего M-Base - певицы Кассандры Уилсон. Наследие умствований M-Base слышно и здесь, на шестом по счету сольном альбоме басиста: изощренно меняющиеся фанковые ритмические паттерны, скачущие неконвенционные интервалы и общая нервная атмосфера, одновременно ледяная и истерическая. Впрочем, былых соратников Плэксико в этом альбоме практически нет (видимо, не без инициативы Blue Note, которая любит воздействовать на формирование коллектива для записи), а есть разноликий коллектив, в котором выделяется, во-первых, горячий барабанщик Лайонел Кордью (выступавший в Москве с группой гитариста Майка Стерна), а во-вторых - звездный трубач Лью Солофф, звездности которого, впрочем, не всегда хватает для предлагаемого Плэксико уровня головоломности материала. Возможно, материал могли бы сцементировать соло лидера, но он их парадоксальным образом не играет вовсе. Общая интеллектуальная изощренность и высокий исполнительский уровень всего коллектива не спасает: материал часто слишком искусственный, что называется - "от лобных долей коры головного мозга". Хотя любители подобного рода "интеллектуальных паззлов", конечно, есть.

Jean-Luc Ponty - "The Very Best Of Jean-Luc Ponty"
Rhino/Atlantic Jazz, 2000
Шестнадцать треков из классического звукового наследия выдающегося мастера европейского джаз-рока, французского скрипача Жан-Люка Понти. Расположенные в хронологическом порядке, пьесы охватывают общепризнанно наиболее продуктивный и яркий период в творчестве Понти - с 1975 по 1985 годы. Это не значит, что он не выпускал значимых записей до или после: его карьера продолжается и сейчас. Просто более поздние записи представляют Понти в совершенно других амплуа, а на более ранних он еще не играл на виолектре - своей знаменитой пятиструнной электроскрипке.
Творчество Понти дало образцы весьма высококачественного и творчески интересного джаз-рока, что в этом жанре - в массе своем вторичном - редкость. Собственно, главное, что можно сказать о сборнике - это что на нем собрано несколько таких образцов и что они дают превосходное представление о пиках творчества Понти.
Мощное, по-американски массивное звучание большинства треков - продукт деятельности нескольких известных калифорнийских студий (Paramount, Cherokee, The Village Recorders и др.), персонал, акустика и оборудование которых ответственны за понятие "калифорнийского звучания" в джаз-роке (понятие достаточно виртуальное, но понятное большинству знатоков жанра). Насыщенное звучание ритм-секции с интенсивными барабанами и могучим басом, тембрально яркие и богатые аналоговые звуки электроинструментов (в первую очередь гитар и электроскрипки), "горячая" тембровая окраска звуковой картины - все в целом, несмотря на изысканно импровизационный музыкальный язык, говорит больше за вторую, чем за первую составляющую стилистического определения "джаз-рок". И неудивительно: помимо сольных фьюжн-записей и игры в "Оркестре Махавишну", за плечами Понти есть и участие в группе Фрэнка Заппы.

Doc Powell - "Cool Like That"
Heads Up, 2004
46:38
***

Гитарист Док Пауэлл - не просто сольный или там сессионный гитарист: он - музыкант с огромным опытом ансамблевой работы, причем работы руководящей. Он был музыкальным руководителем (а значит - еще и аранжировщиком, и, в значительной степени, композитором) групп двух крупнейших звезд музыки соул - Уилсона Пиккетта и Лютера Вандросса. Он работал с Аритой Франклин и Куинси Джоунсом... В современном ритм-н-блюзе такой послужной список ничего, кроме глубокого почтения, не вызывает.
Естественно, что музыкант такого уровня рано или поздно должен был почувствовать необходимость в сольном самовыражении. И естественно, что гитарист современного ритм-н-блюза, где властвует звуковой перфекционизм и уделяется внимание самым тонким аранжировочным деталям, стал самовыражаться именно в smooth jazz, мягкой, замешанной как раз на звуковых шаблонах ритм-н-блюза инструментальной поп-музыке с корнями в "современном" джазе - смеси джаз-рока и соул. Тем более, что Пауэлл живет и работает в Лос-Анджелесе, где smooth jazz выкристаллизовался как явление и где живет множество его ключевых фигур (часть которых присутствует и на новом альбоме - сладкий саксофонист Кёрк Уэйлум, тонкий и изысканный трубач Марк Ледфорд, басист Регги Хэмилтон...). Вот и эта работа - типично лос-анджелесская: прозрачный звук с подчеркнуто "просветленной" высокочастотной составляющей, подавляющее господство компьютерно-синтетических красивостей в аранжировках и характерные бесконфиликтность, гладкость и умиротворенность в музыкальных решениях. Прекрасный фон для романтического ужина. (для Play)

Wolfgang Pusching, Mark Feldman - "Spaces"
Skylark Production/Amadeo, 1998
9 tks
73:20
Объединение усилий одного из лучших ново- (и не только ново-) джазовых скрипачей Марка Фелдмана и "лучшего джазмена Австрии" саксофониста-флейтиста Вольфганга Пушинга по определению должно было стать интересным явлением. Однако, как и многие подобные работы, результат не то чтобы разочаровывает - просто довольно трудно представить себе удовольствие от повторного прослушивания этой работы. При ее высочайшем творческом уровне, общее впечатление достаточно невротическое. Отчасти это результат дуэтного аскетизма - скрипка и саксофон вдвоем располагают не столь уж многими выразительными средствами, чтобы удержать внимание слушателя на протяжении почти 74 минут. Отчасти такое впечатление диктуется неровным музыкальным материалом, в котором есть и находки, и повторение "общих мест" едва ли не всего даунтаун-авангарда.
Запись, сделанная в Вене инженером Штефаном Бенкио в студии его имени, также не поражает разнообразием средств (имеющиеся варианты связаны в основном с панорамированием: действительно, после нескольких пьес "саксофон слева - скрипка справа" перемещение духового инструмента в центр панорамы звучит свежо и оригинально). Более или менее шаблонные и везде схожие условия искусственной реверберации иногда приятно разбавлены неожиданно реалистичными исполнительскими шумами: то слышится вздох саксофониста, то движение рук скрипача. Впрочем, когда обнаруживаешь в довольно-таки зашумленном канале скрипки еще и фон 50 герц, начинаешь понимать, что это - не достоинство записи.

Quadro Nuevo - "Buongiorno Tristezza"
Minor Music, 1999
61:10
16 tracks
****
Германский коллектив Quadro Nuevo, возглавляемый саксофонистом Муло Францелем, работает в крайне интересном направлении - причислить бы его к этно-джазу, если б было здесь чуть больше импровизационного элемента! Впрочем, джазовая фразировка, джазовая, так сказать, лексика все равно прочитывается... В основе этой музыки - традиционная эстрада первой половины XX века, еще не утратившая национальной принадлежности, еще легко определяемая: вот итальянская ballada, вот парижский valse musette, вот tango (да не аргентинское, а европейское - в конце концов, "Брызги шампанского" играли тоже никакие не аргентинцы, а чехи!), вот и вовсе beguine napoletana - оказывается, был такой жанр сугубо неаполитанского бегина... Причем половина этой музыки - даже не оригиналы, а авторские работы Францеля и гитариста Роберта Вольфа. Стиль, настроение (название альбома переводится с итальянского как "Здравствуй, грусть") соблюдены абсолютно точно, до концептуальности. Впрочем, постмодернистская эта концептуальность запрятана довольно глубоко: эту музыку можно и нужно воспринимать и впрямую, как вот такие грустные европейские эстрадные инструментальные пьески а-ля "новое ретро".
Запись делалась в Гамбурге (Tonstudio Schlag, звукорежиссер Вольфганг Ломайер). Все инструменты - сплошь акустические - звучат весьма добротно и достоверно, хотя некоторые решения в балансе представляются спорными (гитара и саксофон в 1-м треке, например). Единственный действительно сомнительный момент - обильное использование "обволакивающих" эффектов искусственной реверберации. Аромат аутентичности, возникающий в ансамблевых эпизодах, на соло заметно теряется именно из-за этого явно цифрового эхо.

Chris Rea - "Stony Road"
Edel Records, 2002
57:38
***

Интересная тенденция: то один, то другой деятель поп-роковой сцены 80-х в последние годы пытается обратиться к "подлинному блюзу". У кого-то это получается лучше, у кого-то хуже, у кого-то не получается вовсе. Крису Риа, который своего честного, "корневого" звучания не менял с самого дебюта в глуши Северной Англии в начале 1970-х (он сменил в местной никому не известной группе вокалиста Дэвида Ковердейла, нанятого в Deep Purple), такое освежение стилистики вряд ли было нужно, даже учитывая, что в последние пять лет его коммерческие достижения трудно было назвать впечатляющими. Впрочем, результат вполне убедителен, хотя и довольно однообразен: 13 крепких, плотных авторских композиций в блюзовой форме и безусловно британском (хотя и отмоделированном в мемфисском каноне) блюз-роковом звучании, пусть и украшенном всеми кунштюками современных технологий. Впрочем, альбом выпущен уже не на WEA, с которым были связаны наивысшие успехи музыканта, а на немецком поп-лейбле, что говорит о том, что Крис меняет поле, на котором хочет играть: именно в германоязычных странах Европы началась в свое время его популярность - задолго до того, как "The Road To Hell" возглавила британские хит-парады. Кстати, тур в поддержку этого альбома Риа начал в Швейцарии на эклектичном фестивале в Монтре, где богатая европейская публика обычно встречается со своими любимцами, списки которых могут поставить в тупик самого продвинутого американского слушателя.

Eric Reed - "Pure Imagination" 
Impulse!, 1998
Пианист Эрик Рид принадлежит к относительно молодому поколению - он дебютировал как солист в начале 90-х. Это не первая его сольная работа, но однозначно лучшая - в весьма сложном и требовательном к мастерству солиста формате фортепианного трио он записал альбом отнюдь не однообразный, изобретательный (но и без трюкачества) и, как это ни банально звучит, очень добрый. Тут вам и немного почти академического сольного музицирования, и плотная фактурная работа трио, и мастерские соло. Приятно. Звук (Билл Шнее и Кодзи Эгава на Schnee Studio, Голливуд) тоже радует: фортепиано и мясистое, и аккуратное одновременно, слушаешь не отраженный звук и не лязг струн, а именно фортепианный тон. Барабаны не рыхлые и не гулкие, а весьма конкретные и яркие. То же и бас. Приятно. Если бы только не очень заметные на слух (особенно в наушниках) перепады соотношения сигнал/эффект в обработке! То ли компьютерный пульт так грубо работает, то ли монтировали запись уже на жестком диске из кусков разных дублей (во вторую версию верится охотнее, но никто, конечно, не признается).

Dianne Reeves - "A Little Moonlight"
Blue Note, 2003
73:53
****
Новая работа одной из самых популярных вокалисток современного традиционного джаза спродюсирована самим Арифом Мардином - "открывателем звезд", создателем феномена Норы Джонс - дебютантки, в 2002-2003 гг. продавшей почти десять миллионов копий спродюсированного этим достойным ветераном грамзаписи альбома. Мардин известен тем, что безо всякого почтения относится к авторским версиям предназначенных для альбома песен, работая - вместе с исполнителем, конечно - над их аранжировкой и иногда меняя ее довольно значительно. Удивительно, но тяжелая рука мастера практически не ощущается в этой работе Дайан Ривз: все так просто и естественно, что не слышно не только "перепродюсирования", но и вообще преобладания воли продюсера над волей артиста. Это - тоже фирменный стиль Мардина: в отличие от Фила Спектора, к примеру, его работы с самого начала, с 1960-х гг., почти всегда звучат легко и естественно.
Альбом был записан в декабре 2002-го в нью-йоркской студии Right Track, и, помимо трио Ривз (барабанщик Грегори Хатчинсон, басист Рубен Роджерс и пианист Питер Мартин), в записи приняли участие такие джазовые звезды, как трубач Николас Пэйтон и гитарист Ромеро Лубамбо. Материал альбома - только проверенные стандарты, выдержанные, по словам самой певицы (мне довелось интервьюировать ее перед выходом этого альбома), "в очень доверительном, интимном ключе". Вот, кстати, что Дайан тогда сказала о результатах работы с Арифом Мардином: "Обычно считают, что Ариф как-то особенно строг в отношении репертуара и так далее, но в моем случае ничего такого не было - наоборот, я увидела, что он с глубоким уважением относится к решениям артиста, поэтому и выбор репертуара, и выбор музыкантов был за мной. Получилась очень традиционная джазовая запись - по-моему, самая традиционная в моей жизни!". И певица вовсе не кривит душой: это действительно очень традиционная, очень интимная и при этом - крепкая, мастеровитая запись, которую как минимум приятно и интересно слушать не только ценителям традиционного джазового вокала настоящей Старой Школы.

Knut Reiersrud - "Soul of a Man" 
Kirkelig Kulturferksted, 1998
А вот это Блюз Как Он Есть, хотя автор проекта - норвежец, а играют датчане. Один из лучших блюзменов Северной Европы, Кнут Райерсруд после экспериментов с Африкой начала 90-х записал один из интереснейших в европейском блюзе концептуальных альбомов. Запись делалась в Осло в трех разных студиях (ее продюсировал сам музыкант), а сводилась в датском городе Рандерс. В этой работе удалось совместить почти хип-хоповые, тяжелые барабаны с компьютерно раздутой "бочкой" (похоже на работы Ленни Уайта), инфранизкий бас, многослойные психоделические гитарные аранжировки Райерсруда, голосовые сэмплы Хаулин Вулфа и Тексас Александера (звучащие как привет с небес) и гибкий, интеллигентный вокал Кнута (вокал хорош с одной лишь поправкой: все-таки Кнут не негр). Всю стилистику в целом можно определить как acid-blues, и звучание идеально отвечает обеим составляющим.

The Rippingtons Featuring Russ Freeman - "Black Diamond" 
Windham Hill Jazz, 1997
В год десятилетия проекта "Rippingtons" группа разразилась очередным альбомом - такой же легкий фьюжн, как раньше; лидер группы, гитарист Росс Фримен, во вступительном слове на обложке поясняет, что очередной альбом должен отразить глубокий духовный переворот, случившийся в нем на почве любви к... горным лыжам. Что ж, дело хорошее.
Помимо основных участников - саксофониста Джеффа Кашивы, басиста Кима Стоуна, вокалиста Марка Уильямсона - в записи приняли участие именитые "приглашенные лица" - Артуро Сандоваль, Марк Ледфорд. Результат - позитивная, летящая музыка, как нельзя лучше предназначенная для радио.
Хотя основная запись производилась самим Фрименом, видимо, в домашней студии поближе к месту своих горнолыжных озарений (указано: Студия На Ранчо У Горы Шейенн, Колорадо) и, главное, сводилась там же, звуковое решение получилось весьма многообразным - искусный баланс, выверенное равновесие между цифровыми и акустическими (гитара Росса) звуками, изобретательные аранжировочные решения, воплощенные в прозрачный, панорамно очень широкий звук. Особенно приятны сочетания цифровых ритмических "лупов" и живой перкуссии, плавно перетекающих друг в друга.

Renee Rosnes - "Renee Rosnes With the Danish Radio Big Band"
Blue Note, 2003
68:20
****
27-миллионная Канада, хотя и находится в глубокой тени своего южного соседа, десятикратно превосходящего по населению Страну Кленового Листа, тем не менее породила немало собственных джазовых знаменитостей - начиная с великого Оскара Питерсона. Пианистка Рене Роснес - пожалуй, одна из самых известных представительниц этой страны в джазе. Еще 23-летней, в 1985 г., она переехала в Нью-Йорк, где переиграла со множеством значительных фигур в современном джазе.
Ее новый альбом - шестая ее номерная запись для Blue Note и первая - в качестве солистки, композитора и аранжировщика с одни из самых именитых биг-бэндов Европы, оркестром Датского радио. Вошедшие в альбом композиции (пять из восьми написаны самой Рене) представляют впечатляющий спектр композиторских техник, аранжировочных приемов и стилистических элементов, среди которых - при господствующей хардбоповой манере Рене-пианистки - можно вычленить и модализм, и плотность оркестровых групп (свойственную оркестрам 70-х гг., в первую очередь оркестру Тэда Джонса - Мэла Луиса), и сложные хроматические структуры из арсенала Стэна Кентона, и - в игре самой пианистки - диссонансные ходы и угловатые гармонические структуры, характеризующие ее манеру игры как в высшей степени мужскую. В партитурах Роснес нет ничего случайного, каждая деталь прописана смачно и выпукло, и первоклассные солисты датского оркестра не подводят, реализуя замыслы Рене если и не на все сто, то на верных девяносто процентов. 
Все в целом - умный, насыщенный музыкальными идеями, интенсивный по замыслу и исполнению современный оркестровый джаз. Жаль только, для большинства слушателей, не имеющих опыта написания гармонических диктантов и слухового анализа партитур, основной массив чисто композиторских и музыкантских красот этого альбома наверняка останется неуслышанным и неразгаданным. Впрочем, такова, к сожалению, природа значительной части современного джаза вообще: для широкой публики он давно превратился в некое абстрактное искусство в сочетании с высшей математикой, для полноценного восприятия какового требуется как немалый запас чисто музыкальных знаний, так и солидная общеэстетическая подготовка.

Gonzalo Rubalcaba Trio - "Supernova"
Blue Note, 2001
58:36
*****
В этой работе один из лучших пианистов кубинского джаза последних двух десятилетий Гонзало Рубалькаба дальше всего (по сравнению с предшествовавшими своими альбомами) отходит от архетипов собственно кубинской музыки, при этом ни на йоту не теряя узнаваемого пряного аромата и характерных стилистических "излишеств". В этом альбоме ему удалось сплавить в единую, концептуально выстроенную общность множество разнообразных исходных элементов, иногда довольно далеких друг от друга. Особенно показательный пример - второй трек, "El Cadete Constitutional", столетней давности марш, написанный дедом пианиста - известным три поколения назад тромбонистом Хакобом Рубалькаба. 37-летний внук обращает дедово творение в своеобразную энциклопедию истории кубинской музыки, сыгранную во всем многообразии эмоциональных скачков - от уморительно смешной серьезности до ностальгически светлой иронии. Впрочем, в большей части материала Рубалькаба не погружается столь глубоко - чего, впрочем, все равно достаточно для достижения им значительных драматических или лирических высот, украшенных тончайшей нюансировкой, достойной большого мастера. Удивительно, что столь мощная и комплексно решенная работа сделана очень скромными средствами фортепианного трио (Карлос Энрикес - контрабас, Игнасио Берроа - барабаны) плюс в двух треках - два приглашенных перкуссиониста (кузены Луис и Роберт Квинтеро). Альбом богат на потаенные импровизаторские тонкости, находить и отгадывать которые приносит огромное удовольствие, и на маленькие звуковые радости, складывающиеся в поистине эпическую картину (бесспорная заслуга звукорежиссера, великого Джима Андерсона, одного из лучших в мире специалистов по записи акустического джаза).
купить

Оглавление рецензий
Главная страница