www.moshkow.net
на главную
ENGLISH
ABOUT ME

текущие проекты:
портал jazz.ru
журнал «джаз.ру»
книжные публикации и проекты:
- книга "блюз. введение в историю" - 2-е издание (2014)!
- new цифровой релиз повести о молодых музыкантах 80-х «кривые дорожки»!
- new цифровой пре-релиз фантастического романа "миссия «опасные материалы"»!
- new цифровой пре-релиз фантастического романа "операция «специальная доставка"»!
- книга "индустрия джаза в америке. 21 век"!
- новый двухтомник "российский джаз"!
- двухтомное переиздание книги "великие люди джаза"!
- вся фантастика кирилла мошкова (sci fi)
- все книжные проекты non-fiction
"слушать здесь": jazz podcast
russian jazz podcast in english
cyril moshkow @ youtube: видеоканал кирилла мошкова (оригинальные съёмки российского джаза)
архивы - материалы о музыке:
статьи, обзоры, интервью, репортажи 1996-2015
new неформатные музыковедческие изыскания малой формы 2005-2015
рецензии (джаз, блюз, world beat) 1997-2015
new лекции о музыке (с 2013)
архивы - фото:
фотоархив кирилла мошкова
архивы -  радио:
радиоархивы кирилла мошкова: станции, программы, записи, подкасты
архив радиопрограммы "джем-клуб" (1996-97)
архив радиопрограммы "академический час джаза" (1994-97)
архив радиопрограммы "сплавы" (1996-97)
архив радиопрограммы "вечерняя сказка" (1994-96)
другие ресурсы:
персональное:
биография
резюме, если что (англ. и рус.)
cyril moshkow @ linkedin
cyril moshkow @ allaboutjazz.com
личный фотоальбом
ссылки (веб-окружение) и обратная связь
группа "секретный ужин" (1987-1997)
 интерактив
дневник кирилла мошкова в "живом журнале"
cyril moshkow's english blog

Cyril Moshkow

Create Your Badge

Rambler's Top100

Cyril Moshkow,
1997-2016
© design, content, photos
hosted by AGAVA

 

РЕЦЕНЗИИ E-H

Kurt Elling - "Man In The Air"
Blue Note, 2003
67:32
*****

Чикагский вокалист Кёрт Эллинг не принадлежит к числу тех, кто гонится за обширным коммерческим успехом; скорее, 35-летний мастер последовательно исследует те области вокального искусства, которые интересны лично ему - ну и, конечно, благодарно принимает интерес публики в тех случаях, когда эти интересы совпадают. Основной предмет его интересов - это вокализация инструментальных импровизаций (его альбом 2001 г. "Flirting With The Twilight" вообще начинался с пропетого голосом контрабасового соло Чарли Мингуса, к которому Эллинг сам написал текст). Не оставил он этой идеи и на новом альбоме, более того - самостоятельно написал тексты к десятку инструментальных тем, в диапазоне авторов от Боба Минтцера или Хэрби Хэнкока до аж Джона Колтрейна: написанная Кёртом вокальная версия его "Resolution" стала едва ли не самым ярким моментом нового альбома, наряду с "Minuano" Пэта Мэтини - Лайла Мэйза, в которой на барабанах играет один из участников записи оригинала, земляк Кёрта - Пол Вертико. Весьма поэтичные и непростые тексты, которые Эллинг создает для очень известных инструментальных тем - шаг довольно смелый, но и щедро окупающийся в случае творческого успеха. А успех этот налицо: Эллингу удалось почти во всех случаях найти верную интонацию и выстроить яркую образную систему, вполне адекватную творческой идее исходного музыкального материала. При этом чисто музыкальная сторона реализации полученных композиций оказалась на высоте - прежде всего потому, что Кёрт записывался со своим "рабочим ансамблем", а не с навязанными лейблом приглашенными звездами (кажется, эта порочная практика вообще начинает, под давлением падающих продаж, постепенно отступать). Взаимодействие между вокалистом и его постоянным пианистом Лоренсом Хобгудом достойно самых хвалебных эпитетов (кстати, как и развитое импровизаторское мышление и совершенная техника игры этого незаслуженно мало известного пианиста). Добротно записанный (Дэн Гарсия, Chicago Recording Company) и изысканно сведенный (великий Ал Шмитт на голливудской студии Capitol), альбом в целом почти по любому параметру вызывает самые положительные ощущения, в том числе и потому, что вслед за многими передовыми представителями современного мэйнстрима Эллинг совершил небольшой, но заметный дрейф от гиперконсервативного straight-ahead джаза в сторону того, что в прошлые десятилетия именовалось джаз-роком или фьюжн, при этом не поддавшись искушению сменить тембровую палитру на электронную.
Единственное небольшое "но" - это сам вокалист: на фоне изысканно точной и разнообразной игры ансамбля вокал Эллинга иногда кажется слегка бедноватым тембровыми нюансами, но этот факт не умаляет значения того, что вокалист делает. Удерживая на высоком уровне творческую планку в искусстве мэйнстримового джазового вокала - искусстве, благодаря усилиям засевших на командных высотах неоконсерваторов, почти уже окостеневшем - Кёрт Эллинг на нынешний момент представляет собой один из немногих подлинно живых голосов в этом жанре.

Kurt Elling - "Flirting With The Twilight"
Blue Note, 2001
60:24
****
Это не лучший альбом 33-летнего чикагского вокалиста, и только поэтому я даю ему четыре звезды вместо пяти; сам по себе он превосходен - редкое доказательство того, что джазовый вокал может быть так же изыскан и тонко структурирован, как и инструментальное мастерство. Увы, джазовые вокалисты все больше уходят либо в совсем уж поп-джаз, либо в соул. Эллинг - приятное исключение. Мастер выписывать довольно сложные поэтические тексты на сложные вокальные вариации, по-инструментальному опевая темы, он не только глубоко понимает и чувствует, что именно поет (что вообще большая редкость для англоязычного вокалиста!) - он прекрасно владеет всем вокальным арсеналом и, что еще более важно, хорошо работает с ансамблем, в котором его голос оказывается если и не совсем равноправным по балансу, то вполне инкорпорированным по музыкальной функции.
Хотя запись делалась в знаменитой голливудской студии Capitol, вкус и мастерство великого звукорежиссера Ала Шмитта позволили избежать характерного голливудского звукового гигантизма - интимный и теплый звук вполне гармонирует с притушенными, слегка тусклыми (по определению самого Эллинга - "темно-бронзовыми") эмоциональными тонами и замедленными темпами альбома, заметно контрастирующими с мощью предыдущей, концертной записи вокалиста. Кстати, удивительно, но факт: теплота и живость вокала достигаются весьма скромными средствами - Кёрт Эллинг поет только в микрофоны Shure (он - "эндорсер" этой компании).

Cesaria Evora "Cabo Verde" 
Lusafrica, 1997
Вот уж что в России известно мало, так это morna - современная музыка Кабо-Верде, островов Зеленого Мыса (700 км к западу от Африки). Сезария Эвора - одна из главных звезд этой музыки и весьма своеобразная дама, мужененавистница, курильщица и пьяница. Ее европейская резиденция -Париж, там и записал этот ее альбом земляк-кабовердиец Жозе да Силва. Причем запись производилась в нескольких студиях - Bastille, Davout, Harry Son, Gimmick; одна инструментальная партия (кларнет в 1-м и 11-м треках) писалась в Дакаре (студия 2000). Сведение сделано в парижских студиях Bastille, Music Ange, Harry Son и нью-йоркской Sound & Sound. Звучит близко к характерному стандарту этнических релизов 90-х - выпуклый вокал, во втором плане - духовые соло и подголоски с выступающим medium room - холлом, остальной аккомпанемент плотно сзади. Характерный элемент - хор, поющий с г-жой Эвора насквозь почти все песни; он размазан, причем и частотно, и в панораме, размазан так, что в первые секунды кажется результатом действия неправильно выстроенного процессора старой модели (типа Yamaha SPX).

Felt - "Train Above The City. The Pictorial Jackson Review" 
Creation Records, 1988
Раннее CD-переиздание двух редких альбомов поп-группы из пригородов британского Бирмингема, вскоре после выхода этого CD прекратившей свое существование. Первые 8 треков - неуклюжая попытка клавишника Мартина Даффи продемонстрировать, что в других условиях он мог бы стать джазовым музыкантом. Записав одновременно бас на фендер-пиано, подклады на органе и соло на дешевых клавишах, имитирующих вибрафон, музыкант буквально лезет из кожи; но свинг его неуклюж, басы простоваты, а в отношении соло любой первокурсник Беркли легко заткнул бы его за пояс. Напоминает известную обличительную картину "Загубленный талант". С девятого трека начинается звучание, куда более адекватное группе - характерные для Англии середины 80-х гитарные поп-песенки основателя группы гитариста Лоренса Хейуорда. Сами по себе приятные, они выпадают из предмета нашего разговора. Ну и звук дешевенькой 8-дорожечной любительской студии, конечно, более адекватен второй части диска.

Ella Fitzgerald - "Ella a Nice" 
Pablo/Alto
Аудиофильский винил с порядковым номером (я отслушивал № 474), запечатлевший концерт Эллы Фицджералд в Ницце в 1971-м с отличным составом - Томми Флэнегэн за фоно, Фрэнк Де Ля Роса - бас и Эд Тигпен - ударные. Как и почти с любой концертной записью Эллы, рецензировать содержание пластинки бессмысленно: это Элла Как Она Есть, набор весьма характерных для ее концертных программ нон-стоповых блоков - блок Портера, блок баллад, блок Дюка, блок босса-новы плюс несколько вкусностей вплоть до битловской "Something". Бессмысленно и обсуждать пение Эллы - все равно что обсуждать парижский эталон метра. Важно другое: аудиофильский винил не сдает позиций, и искусство идеального мастеринга под винил (куда как более сложное, чем под CD) не умерло (Ник Уэбб, Abbey Road Studios). Хотя каких-то решающих аргументов в поддержку того, что эта запись напечатана в виниле, а не на CD, я так и не нашел.

Ella Fitzgerald - "The Last Decca Years, 1949-1954"
Decca/GRP Records, 1999
20 tks
62:43
Энциклопедическое переиздание почти всего, что великая Элла записала в поздний период работы с лейблом "Декка", когда с ней сотрудничал штатный аранжировщик и дирижер Декки Сай Оливер. Это годы, когда Элла, одна из немногих представителей своего поколения, от свинговых архетипов легко и органично перешла к боповым (для слишком многих мастеров свинга революция 40-х обернулась крахом или застоем!). Интересно, что Оливер, который к боперам уж никоим образом не относился, во многих случаях создал для Эллы вполне адекватные новому стилю оркестровые решения (яркий пример - трек 16)! В то же время ясно видны и причины, приведшие к разрыву с "Деккой" - стремление превратить Фитцджералд в поп-певицу, втиснуть в давно ставшие тесными для нее рамки (трек 20, например).
Классические аналоговые записи, все - моно, тщательно восстановлены, отредактированы и очищены (продюсер Оррин Кипньюс, собственно трансфер и восстановление - Эрик Лабсон). Качество восстановления столь высоко, что может рассматриваться как образцовое - присущее оригинальным записям (продюсер Милт Габлер) образцовое качество в части естественного (достигаемого правильной рассадкой оркестра и точным размещением единственного микрофона) разделения на звуковые планы заиграло гранями, вероятно, незамеченными на оригинальных лентах).

Robben Ford & The Blue Line - "The Authorized Bootleg" 
Blue Thumb, 1998
Самый разнообразный гитарист в мире Роббен Форд (Джимми Уэзерспун, Джони Митчелл, Джордж Харрисон, Майлс Дэйвис, Yellowjackets, Садао Ватанабэ - ничего послужной списочек?!) издал свой концерт с собственным блюзовым проектом, записанный в оклендском клубе Yoshi's в декабре 95-го. Запись была опубликована благодаря устроившей ее радиостанции KFOG, и сам Форд считает, что ему есть чем гордиться - это единственная запись, где он играет в акустике. Лучше б он играл в электричестве, право слово. У фьюжновых Yellowjackets его гитара звучала по крайней мере адекватно материалу. Но блюз есть блюз, его нельзя играть ни прохладно, ни с мечтательной улыбкой. Что же до звука, то он холоден, акустическая гитара (точнее, solid body acoustic) звучит пискляво - одним pickup'ом, без обертонов, а малоокрашенный и не слишком гибкий для блюза голос Форда можно было бы попытаться вытянуть, но... 

Fourplay - "Heartfelt"
Bluebird / RCA Victor, 2002
66:10
***
Типичная, я бы даже сказал - образцовая работа современного так называемого "мягкого" (smooth) джаза, то есть высококачественной инструментальной поп-музыки с отдельными элементами импровизации солистов и использованием некоторых выразительных средств джаза, в особенности - из эпохи фьюжн и джаз-рока. Fourplay - своего рода all-stars, звездная сборная смут-джаза, две главных звезды которой - клавишник Боб Джеймс и гитарист Ларри Карлтон, четыре года назад сменивший в составе не менее звездного Ли Ритенаура, работавшего в Fourplay с самого начала, с 1991 г. Налицо все признаки жанра: простенькие темы-попевки, несложная, но моторная (в модели - главным образом фанковая) ритмика, прозрачное, нескрываемо цифровое звучание (не всегда отличимое от звучания современной "качественной" поп-музыки - особенно, когда на инструментальном в массе своей альбоме вдруг возьмут и запоют, как басист Натан Ист делает в третьем треке) и высочайший профессиональный уровень всех музыкантов. Нельзя не отметить, что с уходом с Warner Bros. (новый альбом - первый для Fourplay на лейбле Bluebird, через материнскую компанию - RCA Victor - входящем в другой транснациональный гигант, BMG) в игре квартета прибавилось импровизационности. Часть альбома составляют треки (1, 3, 8, 11), которые не сочинялись заранее, а спонтанно рождались в ходе джема прямо в студии, после чего в редакторе Pro Tools из удачных моментов длинной импровизации собирался финальный вариант пьесы. Нельзя не отметить, впрочем, что более интересно все-таки слушаются заранее аранжированные и отрепетированные пьесы: характерная для Fourplay в частности и для жанра в целом гладкость и бесконфликтность музыкального мышления не слишком способствует драматизму (или вообще какой бы то ни было эмоциональности) спонтанного музицирования, не говоря уж о таких вещах, как попытки выразить что-то новое или рискованно далекое от шаблона.

NEW Frequency - "Frequency"
Thrill Jockey, 2006
70:04
****

Чикагская импровизационная сцена известна у нас куда меньше нью-йоркской, что и понятно - она и на американском рынке стоит особняком. Джазменов в Чикаго меньше, чем в столице мирового джаза, но они сплоченнее, и их творчество носит ярко выраженный местный колорит, которого вне Города Ветров не встретишь. Основы нынешнего своеобразия чикагской сцены были заложены в 1960-х участниками Art Ensemble of Chicago, основавшими впоследствии "Ассоциацию продвижения музыкантов-творцов" - AACM, мощный авангардный творческий союз, и поныне определяющий творческое лицо чикагского джаза. Музыканты AACM, в массе своей, опираются на афроамериканские корни первого поколения фри-джаза 60-х, стремясь творчески развивать это наследие с учетом новейших веяний.
Ныне у руля AACM стоит уже третье поколение его участников, и среди них важную роль играет флейтистка Николь Митчелл, теперь - сопредседатель Ассоциации. В Чикаго все играют со всеми, поэтому перечислять ансамбли, где она работала раньше, смысла нет: важно, что сейчас среди проектов с ее участием есть квартет Frequency, три других участника которого - это саксофонист и кларнетист Эдвард Вилкерсон, контрабасист и виолончелист Харрисон Бэнкхэд и барабанщик Авриэйл Ра, ветеран AACM, учившийся у сооснователя Ассоциации Келана Филипа Коурэна и игравший со всеми звездами первой волны чикагского авангарда - Лестером Боуи, Муалом Ричардом Абрамсом, Фредом Андерсоном, Малаки Томпсоном и т.д. Дебютный альбом квартета мастерски записан известным продюсером Стивом Уэйгнером в легендарной студии Riverside, где работал весь цвет чикагского джаза и блюза. Музыка квартета сочетает яркую мелодичность, чисто чикагскую свободу изложения - бескомпромиссную, но далекую от нью-йоркской яростной деструктивности - и неторопливость в развертывании импровизационных эпизодов, особенно выгодно показанную в прозрачных, медитативных медленных пьесах Ра и Бэнкхэда.

NEW Paolo Fresu 5tet Plays the Music of Tino Tracanna - "Incantamento"
Blue Note, 2006
64:40
*****

Трубач Паоло Фрезу родился на итальянском острове Сардиния в 1961 г. и на европейской джазовой карте представляет Италию. Правда, при этом примерно шесть месяцев в году он живет в Париже - оттуда удобнее ездить на записи и выступления: Фрезу - один из самых открытых европейских музыкантов, он постоянно с кем-нибудь сотрудничает, так что дискография Фрезу за 25 лет работы превышает 130 наименований альбомов! Некоторые партнерства в творческой жизни Паоло длятся чрезвычайно, по джазовым меркам, долго: так, Paolo Fresu 5tet с блестящим тенористом Тино Траканна, музыке которого посвящен новый альбом этого проекта, существует непрерывно с начала 1980-х.
Траканна, давнишний партнер Фрезу, предстает здесь зрелым джазовым мыслителем, искушенным и в американском языке джаза, и в сугубо европейских корнях той музыки, в создании которой Тино вместе с Паоло принимает участие уже четверть века.
Разнообразие настроений, эмоций, ритмических и гармонических фактур в альбоме реализуется скромными, сугубо традиционными средствами акустического джазового квинтета (с редкими вкраплениями электропиано), где, кроме Паоло и Тино, играют также пианист Роберто Чипелли, барабанщик Этторе Фиораванти и басист Аттилио Занчи. Что действительно завораживает - это не изобилие используемых выразительных возможностей, а их тонкость. Траканна и особенно Фрезу, безусловный лидер ансамбля, умеют сыграть на таких тонких тембральных нюансах, использовать для передачи тех или иных эмоциональных оттенков такие изящные звуковые оттенки, что в стремлении вновь и вновь улавливать тончайшее мастерство солистов невольно хочется переслушать каждое соло.
Технически и творчески запись весьма современна и представляет любопытное смешение "натуральной школы" - нью-йоркской манеры звукорежиссуры, реалистично и живо воспроизводящей звучание акустического ансамбля, и "норвежской манеры", прославленной европейским лейблом ECM, с его протяженной реверберацией и массой искусственных звуковых пространств (звукорежиссер Жерар де Аро, студия La Buissonne, Перн-ле-Фонтэн, Франция).

Bill Frisell - "The Intercontinentals"
Nonesuch, 2003
70:34
*****

Гитарист Билл Фризелл до сих пор - видимо, по инерции - известен как джазовый музыкант, хотя времена, когда он увлеченно исследовал горизонты джазового мэйнстрима с Полом Мотяном и дали джазового авангарда с Джоном Зорном, прошли. В течение шести последних лет Фризелл все более последовательно и настойчиво расширяет (чтобы не сказать - стирает) границы стилей и направлений, упорно стремясь к некоей всемирной гармонии, в которой слились бы идеи и мотивы фольклора самых разных уголков Земли. Результаты его трудов невозможно назвать просто этно-джазом, поскольку это наименование утвердилось за теми видами современной импровизационной музыки, которые базируются на неамериканских музыкальных формах - а музыка Фризелла основана в первую очередь именно на глубинных традиционных формах американского музыкального фольклора, как бы молод этот фольклор ни был. Однако метод Фризелла - не изолирование американских элементов от мировых, а включение их в мировой музыкальный поток; его основная идея - не просто сплав музыкальных элементов Америки и внешнего мира, а последовательное вычленение в американском фольклоре элементов, из которых он сложился (музыка Европы и Африки, оплодотворенная друг другом и уникальным историческим опытом общества Северной Америки), и выделение в каждом элементе его праосновы - с тем, чтобы затем эти праосновы сложить в новую, синтетическую общность, подлинную "музыку мира", где элементы разных культур будут не просто сложены, а органично и гармонично сплавлены. И если по прошлым работам Фризелла можно было судить об этом замысле лишь в деталях, то в новейшем альбоме замысел, пожалуй, впервые раскрывается во всей полноте - так, чтобы получался не набор разностилевых композиций, а единый альбом во вполне концептуальной сюитной форме.
Через весь альбом красной нитью проходит африканская тема, навеянная знакомством и сотрудничеством Фризелла с одним из величайших музыкантов современной Африки - малийским гитаристом и певцом Бубакаром Траоре. Парадоксальным образом, сам Бубакар в записи не участвовал, хотя это и планировалось - но не состоялось по политическим причинам: совместные туры Фризелла и Траоре были назначены сначала на осень 2001 г., а затем на лето 2003, и отменились из-за, соответственно, последствий терактов в США и войны в Ираке. Зато участвовала отличная сборная разноплеменных мастеров - от давних соратников по исследованию американского фольклора, стил-гитариста Грега Лейша и скрипачки Дженни Шейнман, до африканского перкуссиониста Сидики Камара, греческого мастера игры на арабской лютне уд Христоса Говетаса и бразильского гитариста Винисьюша Кантуарии.
В создании живого и яркого звукового полотна, где оригинальные звучания электрических и акустических гитар Фризелла деликатно встроены в ткань акустических инструментов его партнеров и переплетены со сложными задними планами, составленными из изысканных дилэев, решающее участие приняли продюсер Ли Таунсенд и звукоинженер Такер Мартин.

Erroll Garner - "Closeup In Swing / A New Kind Of Love" 
Octave Records / Telarc Archive, 1997
Переиздание сразу двух классических альбомов одного из самых своеобразных пианистов в истории джаза (1921-1977). Первый, 1961 года, был вторым в дискографии Гарнера: музыкант отобрал для него десять пьес из шестидесяти, записанных им в Нью-Йорке летом того же года вместе с ударником Келли Мартином и басистом Эдди Кэлхауном. Это классический Гарнер - свингующий, изобретательный, изящный. Второй альбом - это саундтрек одноименного фильма 1963 г. (Paramount Pictures, в главных ролях Пол Ньюман и Джоан Вудворд), над которым Гарнер работал совместно с аранжировщиком и дирижером Лейтом Стивенсом. Оркестр Стивенса (35 музыкантов), а также джазовый ансамбль с участием таких звезд, как Ред Митчелл и Барни Кессел, сопровождают здесь Гарнера - случай исключительный, так как пианист всю жизнь работал либо в трио, либо сольно. 
Общее для обоих альбомов - относительно низкое качество записи. Хотя фортепиано звучит по крайней мере узнаваемо, то и дело приходится бороться с кажущейся противофазой - стерео в милой манере начала 60-х использовано на всю катушку, "рояль слева - ритм справа". Кроме того, слышно, что оригинальная лента была в довольно плохом состоянии (ощутимый "хисс"). Хотя один Бог знает, к а к оригинал звучал до ремастеринга (Аллан Такер) - все-таки это Telarc.

Stan Getz - "Bossa Nova"
Verve, 1996
16 tks
71:21
*****
В серии Jazz Masters 53 лейбл Verve представил Стэна Гетца, выдающегося тенор-саксофониста, одного из самых влиятельных в послевоенное время - но не в том смысле, как, скажем, Колтрейн. Идеал Гетца - соединение грациозного свинга, красивой фразировки и экспрессивного звукоизвлечения. Этот его идеал счастливо пересекся с музыкальным стилем, будто специально созданным для Гетца. Стиль этот - босса нова (городская, интеллектуализированная версия самбы) - был не американским, а бразильским. Гетц ездил в Бразилию, привозил оттуда музыкантов, делал их популярными в Штатах - и каких музыкантов: пианиста и композитора Антониу Карлуша Жобима, гитариста и вокалиста Жуана Жильберту, его жену вокалистку Аструд Жильберту... Ему удалось - в сезоне 1963-64 гг. - сделать босса-нову событием не только в полулярном джазе, но и вообще в популярной музыке, после чего формулы босса-новы навсегда вошли в арсенал современного джаза. Этот сборник, собственно, документирует историю встречи Гетца и босса-новы.
Записи, вошедшие в коллекцию, чрезвычайно разнообразны - от концертных (Карнеги-Холл с его характерной массивной реверберацией и другие залы) до изысканных студийных (вплоть до лучшей студии и одного из лучших звукоинженеров тех времен - легендарной студии Руди Ван Гелдера в Инглвуд-Клиффс). Тем не менее все их роднит время: золотые годы классической аналоговой звукозаписи. Редкостно удачный ремастеринг (Гэри Майо в студии PolyGram) выявил общие черты этих разношерстных записей - сочность, яркость, многоплановость, насыщенность частотной картинки, в большинстве случаев - великолепный баланс (заметим, что практически во всех записях саксофон Гетца чуть выделен). Единственное, что проверки временем не выдержало - панорамирование некоторых треков: мода разгонять лидирующий инструмент и ударную установку в далекие противоположные концы панорамы не пережила начала 60-х.
купить

Stan Getz - "The Definitive Stan Getz"
Verve / Blue Note, 2002
65:57
*****
Всерьез рецензировать один из лучших изданных сборников Стэна Гетца, одного из важнейших тенор-саксофонистов 50-60-х гг., конечно, невозможно: каждый трек, каждая запись - классика, которую уже невозможно оценить, ее просто нужно знать. Дело здесь совсем в другом: этот альбом (а точнее - серия, в которой он выходит) отражает любопытный сдвиг в ситуации на рынке джазовой грамзаписи. Для выпуска The Definitive Series впервые объединились не просто два ведущих американских лейбла современного джаза, а два крупнейших конкурента - Blue Note (часть концерна EMI/Toshiba) и Verve (часть Universal). В результате стало возможным использование в одном сборнике записей из разных, ранее принципиально не пересекающихся каталогов - что вполне можно рассматривать и как историческое событие в джазовой грамзаписи, и как удачный пример гибкого изменения политики лейблов перед лицом меняющейся экономической реальности.
Что до этого конкретного альбома, то интереснее всего в нем даже не игра сайдменов (Гэри Бертон, Чик Кориа, Кенни Баррон, Антониу Карлуш Жобим, Жуан Жильберто, Оскар Питерсон, Рэй Браун, Рон Картер - и это далеко не полный список!) или самого Гетца (в конце концов, по крайней мере два трека - "Desafinado" и "The Girl From Ipanema" - слышали все, даже и те, кто не относит себя к знатокам джаза), а сопоставление диаметрально разных продюсерских манер, поскольку в сборнике есть продукция и, допустим, Нормана Грэнца, который предпочитал "документировать" джаз, смеясь над студийными ухищрениями, и Крида Тейлора, который, напротив, тонкими и точными студийными штрихами добивался изящества звучания, свойственного скорее поп-музыке. История есть история, будем ли мы рассматривать ее с точки зрения продюсирования или с точки зрения исполнительства. А историю, безусловно, надо знать.

Astrud Gilberto - "Look To The Rainbow"
Verve, 1988
17 tks
45:26
****
Бразильская вокалистка Аструд Жильберту стала звездой в первой половине 60-х благодаря сотрудничеству с американским саксофонистом Стэном Гетцем. Кто бы мог подумать, что до приезда в Америку она никогда не пела публично! Да, у нее очень скромные голосовые данные, но своеобразная интимная манера пения сделала ее образцом для тысяч певиц во всем мире - и это при том, что до 1963 г. она пела только дома на кухне.
Этот альбом - переиздание одноименного винила 1966 г. и половины альбома следующего, 1967-го, то есть уже значительно позже того дня, когда Аструд - исполнительница "Girl From Ipanema" - стала знаменитой. В первом альбоме ей аккомпанирует легендарный оркестр Гила Эванса, тот самый, с которым Майлс Дэйвис записал Sketches Of Spain и Porgy & Bess. Во втором - трио бразильского органиста Вальтера Вандерли. И, хотя обе части CD звучат добротно и убедительно, более интересен все-таки бонус, шесть коротеньких песенок с органным трио. Дело в том, что записаны они в легендарной студии Инглвуд Клиффс легендарного Руди Ван Гелдера как раз тогда, когда Ван Гелдер начал записывать кроме джаза и рок, и поп-музыку и стал использовать самые современные по тем временам приемы и устройства. Интересно, что если в первых 11 треках (звукорежиссер Вэл Валентайн) звучит натуральная эхо-камера, то в шести треках Ван Гелдера (у которого эхо-камеры не было) звучит комбинированная обработка - пружинный и ленточный ревербераторы. Любопытно проследить, как в нескольких треках читаются характерные нелинейные искажения перегруженного по входу ленточного ревербератора на звуке электрооргана и даже - отчасти - голоса! Кстати, отсюда ясно, что к этим записям Ван Гелдер отнесся как к поп-музыке -в джазовых работах он искусственную реверберацию использовал (и использует до сих пор) достаточно скупо.
купить

NEW Robert Glasper - "Canvas"
Blue Note, 2005
66:53
****
Молодой пианист Роберт Глэспер из тех, о ком сейчас говорят - и трудно понять, результат ли это хорошо спланированной рекламной кампании (всего второй альбом 27-летнего музыканта - и уже на легендарном лейбле Blue Note, отличные рецензии в ведущих джазовых журналах и даже в New York Times, ну и т.п.), или действительно американская критика решила, что на горизонте всходит новая джазовая звезда.
В анамнезе - детство в Хьюстоне, сильное музыкальное влияние со стороны матери, которая играла на рояле и пела госпелз в церкви, учеба в знаменитой хьюстонской Высшей школе исполнительских искусств (где за полтора десятилетия до Роберта учился один из ведущих пианистов нынешнего поколения 40-летних - Джейсон Моран), затем - в нью-йоркском Университете Новой школы с его лучшей в стране джазовой программой, работа в ансамблях звезд - Николаса Пэйтона, Роя Харгроува, Теренса Бланшарда, вокалистки Кармен Ланди. В 2003-м - дебютный сольный альбом на независимом лейбле, вскоре после чего Глэспер получает предложение выпустить альбом на Blue Note.
Объективно - действительно сильный пианист с хорошей техникой, богатым воображением и склонностью к репититивности (то есть избыточному повторению одних и тех же структур в импровизации, иногда дословному). Пианист демонстрирует тонкий вкус и любовь к игре тембрами, дозированно и искушенно вводя в свою музыкальную ткань (свою - потому что из 10 треков альбома в девяти музыкальный материал написан самим Глэспером) звучания аналогового электрического родес-пиано и даже калимбы. Позитивная тенденция последних лет - с пианистом играют не приглашенные "звезды", пару раз заглянувшие в ноты (студийное время-то дорого), а его "рабочий" ансамбль, басист Висенте Арчер и барабанщик Дэмион Рейд. Из специальных гостей самую заметную роль играет мастеровитый саксофонист Марк Тернер. В звучании ансамбля - тонкий баланс сдержанности и глубокой, не поверхностной эмоциональности; в звучании записи (Джо Марисано на бруклинской студии Systems II) - легкая сумрачность эмоционального спектра, прозрачное акустическое пространство вокруг весьма плотной игры музыкантов.
Диагноз: к этому молодому человеку необходимо присмотреться самым внимательным образом!

The Reverend Al Green - "Everything's OK"
Blue Note, 2005
47:38
****

Историки соул-музыки называют Ала Грина "последним великим южным певцом", имея в виду, что в первой половине 1970-х, на которую пришелся период его славы, он был последним афроамериканским певцом, наследовавшим богатейшей традиции мемфисской школы соул-музыки предыдущего десятилетия (Отис Реддинг, дуэт Sam&Dave, Эдди Флойд) - после него эта традиция пресеклась, и следующей после жаркого, экстатического Мемфиса столицей соул стала мягкая и комфортная Филадельфия.
В 1974-79 гг. Ал Грин пережил ряд личных трагедий, обратился к религии и стал протестантским проповедником, и его альбомы стилистически переориентировались на евангельские песнопения. Однако иногда он все же возвращался к чувственному и моторному южному соул, записываясь с приведшим его к славе продюсером Вилли Митчеллом. Два года назад они вместе сделали для легендарного джазового лейбла Blue Note альбом, ставший если и не в глазах широкой публики, то в глазах критики настоящим возвращением "прежнего" Грина - добавляющего, впрочем, теперь к своему имени титул "преподобный".
Вот и второй его альбом на "Blue Note" показывает нам прежнего, энергичного, чувственного Грина, в отличной вокальной форме, на тонкой грани общего звучания между современным ритм-н-блюзом и классическим южным соул. Дуэт Грин-Митчелл избежал соблазна чрезмерно "осовременить" звучание - мощный, по-мемфисски сыроватый аналоговый звук удачно передает энергичную игру опытных ветеранов 70-х. Ну а что музыкальный материал слегка шаблонен и потому однообразен - так ведь именно Грин в 70-е приложил руку к созданию этого шаблона!

Peter Green Splinter Group - "Time Traders"
Blue Storm Music, 2001
64:36
***
Конечно, ветеран британского ритм-н-блюза Питер Грин, которого в конце 60-х многие ставили выше Клэптона (Грин заменил его в Bluesbreakers Джона Мэйолла), а его недолгое пребывание в составе Fleetwood Mac - выше всех последующих усилий группы, давно уже не тот. Семидесятые прошлись по нему тяжким катком, разрушив его здоровье и психику, и редкие альбомы, которые он выпускал в промежутках между работой могильщиком, барменом, санитаром в родной Англии и колхозником в израильском киббуце, были далеки от того первосортного блюза, что он играл в 60-е. И вот в середине 90-х он возник из небытия, с усталым голосом и ослабшими пальцами, и с тех пор выпустил уже пять альбомов: этот - шестой. Это только тень прежнего Грина, но это по-прежнему первосортный блюз, для записи которого собралась весьма достойная команда, включая второго гитариста и автора песен Найджела Ватсона, который сотрудничал с Грином еще в начале 70-х. Отличное качество игры, аранжировок и материала сохраняется на протяжении всего альбома, однако подлинный момент блюзовой истины наступает в четвертом треке, достойном войти в какой-нибудь будущий The Very Best Грина, а гитарный джем с еще одним бывшим соратником, Сноуи Уайтом, в предпоследней пьесе сопоставим по красоте с лучшими опусами Fleetwood Mac.

Trilok Gurtu - "Broken Rhythms"
Cream Records, 2004
44:29
****
Если вдуматься, судьба музыкантов, играющих на стыке западной музыки и какой-либо из великих музыкальных культур вне европейской традиции, достаточно трагична. В собственной культуре им остается роль, в лучшем случае, модерниста, если не прозападного модника; в западной музыке они обречены всю жизнь нести на себе печать "иноземной экзотики" с приставкой "этно". 53-летний перкуссионист Трилок Гурту, родом из Бомбея, столицы индийской популярной культуры, всю жизнь старается использовать не ограничения, накладываемые таким положением, а преимущества. Внук легендарного мастера игры на классическом индийском ситаре и сын знаменитой индийской певицы Шобхи Гурту, Трилок с детства овладел всеми премудростями сложной игры на индийских ударных, прежде всего на барабанах табла. Но брат, тоже перкуссионист, открыл ему целый мир западной музыки, прежде всего джаза, и, попав в середине 70-х Нью-Йорк с аккомпанирующим составом индийской певицы Аши Бхосле, Трилок погрузился в новую премудрость - игру на ударной установке, которую с тех пор успешно совмещает с игрой на табла. Гурту всегда стремился играть с музыкантами открытого, не "герметичного" плана - сначала в ансамбле трубача Дона Черри, потом с такими американскими и европейскими звездами, как Джон Маклафлин, Джо Завинул, Ян Гарбарек или группа Oregon, членом которой он был в 1984-88 гг. Очередной его сольный альбом столь же эклектичен, как и предшествующие, но вышел не на CMP, где он записывался в прежние годы, а на французском Cream Records. Гурту смешивает монотонные "грувы" джаз-рока, электрическую рок-энергетику (в одном треке на гитаре играет аж сам Гэри Мур), тончайшую ритмическую организацию индийской музыки и свойственную современным ее версиям сладкую экстатичность вокала (на альбоме записаны почти сплошь индийские вокалисты), гармонические изыски европейской классики (на части треков играет итальянский струнный квартет Arke) и общемедитативную атмосферу всей современной world music, что особенно гипнотично звучит в двух треках, основанных на звучании фантастического горлового пения тувинского квартета "Хуун-Хуур-Ту" (Кайгал-Олл Ховалыг, Шайян Бапа, Алексей Сарыглар и Андрей Монгуш). Общее впечатление от всего этого разнородного, разностилевого, да еще и записанного частями в трех разных студиях (и трех разных странах!) материала - неожиданное единство и цельность, что, безусловно, говорит о возросшем продюсерском мастерстве Трилока, наконец-то ставшего достойным уровня его бесспорного ритмического гения.

Jim Hall - "Panorama. Live at the Village Vanguard" 
Telarc Jazz, 1977
Очередной 20-битный аудиофильский концертник Telarc; представляет собой запись концертов легендарного гитариста в легендарном клубе, куда он с 4 по 8 декабря 1996 г. приглашал самых разных солистов выступить вместе с собой и своей ритм-секцией (ударные - Терри Кларк, бас - Скотт Колли). Кто только тут не играет с Джимом Холлом - пианисты Кенни Баррон и Джофф Кизер, тромбонист Слайд Хэмптон, альт-саксофонист Грег Осби, флюгельгорнист Арт Фармер - короче, музыканты самых разных направлений и поколений. Хотя чисто технически игру самого Холла здесь трудно назвать идеальной, альбом имеет приятный шарм. Впрочем, главное здесь - звук. Субъективно чрезвычайно плотный и панорамно широкий, при прослушивании в наушниках он вызывает устойчивое ощущение, что слушатель лежит на сцене между ударной установкой и гитарным усилителем (в тихих эпизодах отчетливо читается разность между прямым звуком гитарных струн и звуком усилителя). Запись производилась микрофонами B&K 4006, Sennheiser MKH-20 и MKH-40, Audio Technica ATM-35 и 4050/СМ5 через ручной сборки (Джон Виндт) пульт Ramsa WR-S441 посредством ручной сборки (Кеннет Хэммэн и Гэри Гомес) ЦАП Telarc/UltraAnalog Tandem 20-bit. Использовались кабели Monster StudioLink 500 и Music Interface Technology Proline. Цифровое редактирование осуществлялось посредством Sonic Solutions, перекодировка с 20 на 16 бит при мастеринге - на устройстве Apogee UV-1000 Super CD Encoder. Продюсер - Джон Снайдер.

Jim Hall, Joe Lovano, George Mraz, Lewis Nash - "Grand Slam Live at the Regattabar"
Telarc, 2000
60:13
****
Grand Slam - это, собственно, название ансамбля, который существует всего чуть больше года и в котором два лидера: 70-летний (на момент записи) гитарист Джим Холл и 48-летний саксофонист Джо Ловано. Первый - просто один из самых значительных гитаристов джазовой истории, второй - парадоксальный музыкант, на протяжении двух с лишним десятилетий успешно балансирующий на грани мэйнстрима и более поисковой музыки. Дополненные чешским виртуозом контрабаса Джорджем (Иржи) Мразом и превосходным нью-йоркским барабанщиком Луисом Нэшем, музыканты предстают здесь в фрагментах трех своих концертов в лучшем бостонском джаз-клубе Regattabar в январе 2000 г. Хотя слава Холла превалирует, главный герой здесь - все-таки Ловано, потому что это именно тот тип ансамбля и музыки, в которых его следует слушать. Здесь у него есть полный простор для демонстрации своих лучших качеств (прихотливой импровизаторской мысли и индивидуально интимного звука), а его ограниченность в "высоких технологиях" саксофонной игры не так заметна. Холл же, хоть временами и звучит даже прогрессивнее прогрессиста Ловано, весь - сама уверенность и не по-стариковски изысканное мастерство. Лично для рецензента, кстати, наиболее интересными оказались не самые характерные треки: написанное специально для этого тура калипсо Холла (где его гитара на соло звучит почти как карибский steel drum) и посвящение Ловано барабанщику Эду Блэквеллу, где автор играет на альт-кларнете, а ансамбль проходит впечатляющую ре-эволюцию от свободной импровизации до бибопа.
Начиная с этой рецензии, я больше не буду отмечать, что продукция Telarc теперь записывается и изготовляется по технологии Direct Stream Digital - видимо, кливлендский бастион аудиофилии перешел на DSD окончательно. Но, учитывая фактор DSD, звучание альбома превосходно для концертной, тем более - клубной записи; хотя временами микрофоны overall чуть "торчат" из общего микса (Майкл Бишоп), напоминая, что это все-таки концерт в баре дорогого отеля.

Scott Hamilton - "Jazz Signatures"
Concord, 2001
57:45
***
В джазе есть консерваторы. Они делятся на консерваторов от сердца и консерваторов от головы. Первые сохраняют традицию живой, вторые подвергают ее вторичной консервации и превращают в музейный экспонат. Скотт Хэмилтон объединяет оба подхода. С детства он любил саксофонистов типа Бена Уэбстера, и когда он в конце 70-х вырвался из родного Провиденса на простор клубной сцены Нью-Йорка, все ахнули: одетый, причесанный и набриолиненный по моде 40-х, саксофонист звучал так, будто на дворе 43-й год и никто еще не слыхал никакого бибопа! Собственно, так Хэмилтон звучит и сегодня, хотя за двадцать лет карьеры в грамзаписи в его игре, кроме незримой тени старика Уэбстера, появились и нотки из творческого арсенала более поздних тенористов, вроде Зута Симса и Стэна Гетца, образовав в результате довольно индивидуальную, но все равно отчаянно ностальгическую и нарочито, принципиально старомодную манеру.
Его очередной альбом на Concord, для которой он записывается больше двадцати лет, мало чем отличается от множества предшествовавших - хотя, по его словам, он "концептуален", призван создать галерею мини-портретов тех, чью музыку он играет (Билли Стрейхорн, Дейв Брубек, Фэтс Уоллер и т.д.). Возможно, это ему и удается; важно другое - неколебимо верный своему принципиально консервативному стилю, Хэмилтон создает для своего слушателя вполне комфортное (хотя и скучноватое) звуковое пространство эдакого Старого Доброго Джаза, которое для некоторых и есть джаз вообще.

Herbie Hancock - "Future 2 Future"
Transparent Music, 2001
55:25
***
Как всякая новая работа одного из величайших джазовых пианистов и клавишников последних сорока лет, тем более - работа программная, альбом уже вызвал массу откликов. Что характерно - его бурно приветствуют любители "прогрессивной танцевальной музыки" (техно, трип-хопа, drum-n-bass и т.п.), а любители джаза почти единодушно фыркают или в лучшем случае глубокомысленно цедят: ну, мол, работа-то серьезная... Дело тут в том, что в этой записи маэстро Хэнкок, на обложке предстающий в крутой с виду, но невыносимой при носке подростковой полиэтиленовой курточке, вновь сотрудничает с одним из самых парадоксальных и противоречивых продюсеров современности - электробасистом Биллом Ласвеллом (их сотрудничество началось в 1983 г. с легендарного хита "Rockit", долго гремевшего на тогдашних дискотеках). И, как обычно бывает в работах Ласвелла, ставка сделана на эклектику. Изящная, абсолютная по качеству игра Хэнкока на вполне аналоговых инструментах (в основном на Rhodes-пиано) густо замешана с работой многочисленных разностилевых диджеев (от честного винилового крутильщика Роба Свифта до изысканных электронщиков вроде Парня По Имени Джеральд), причем программирование синтезаторных ритмов, "грувов" и "лупов" оказывается ведущим элементом по сравнению с игрой джазовых участников записи. Великий барабанщик Джек ДеДжоннет в четырех треках изобретательно, но послушно следует за синтетическим битом, Чарнетт Моффетт на контрабасе звучит как сэмплированная копия самого себя, честно отыгрывая неотличимые от компьютерных "пады", не говоря уж об электробасе Ласвелла, простая функциональность которого исключает собственно виртуозную игру. Ну, а игра покойного Тони Уильямса в мемориальном треке его памяти и вовсе расставляет все точки над i: конечно же, это сэмплы его прижизненной игры, вырванные из контекста какой-то старой записи. Технологически, продюсерски, звукорежиссерски все сделано невероятно хорошо. Музыка же попросту скучна, олицетворением чего служат вялые, анемичные саксофонные соло явно скучающего Уэйна Шортера в трех треках. Слушать это "просто так" - трудно. Надо попробовать на дискотеке.

Hedvig Hanson - "What Colour Is Love?"
Universal / Emarcy, 2003
61:58
****

Огромный успех молодой американской поп-певицы Норы Джонс, пришедшей из джаза и обильно использующей джазовую идиоматику, породил целую волну альбомов околоджазовых вокалисток, выпускаемых джазовыми отделениями мэйджор-лейблов, причем зачастую альбомов вокалисток довольно экзотических - и небезынтересных. Вот и Хедвиг Хансон, с точки зрения как джазового, так и поп-мэйнстрима - певица довольно экзотическая: она из Эстонии.
Это ее третий по счету альбом, но первый вышедший вне Эстонии. Биография 27-летней Хедвиг довольно обычна: в детстве - обучение игре на фортепиано, в подростковом возрасте - самозабвенное подражание Уитни Хьюстон и победа на республиканском вокальном конкурсе, а затем - участие в "сборной эстонского джаза" Basic Concept и два сольных альбома на эстонских лейблах в 2000-2001 гг.
Голос Хедвиг- не то чтобы очень джазовый, но и не так чтобы вполне эстрадный; она явно знакома с джазовой традицией и даже вполне искушена в ней, хотя продюсерские решения ставят ее в рамки более "современные", то есть связанные с поп-версией современного джаза, т.н. contemporary (особенно в плане ритмики - ритмика альбома все больше клонится в сторону соул и вообще "городской" поп-музыки, а вовсе не джаза как такового). Впрочем, сама себя она довольно решительно определяет как соул-певицу. В игре ее группы (кстати, в составе - сплошь эстонские музыканты) - профессионализм, отточенность, точное понимание стилистики и изрядный вкус. Все в целом - изящная, очень европейская работа, хотя и не без претензии на понимание американской стилистики. Неожиданно высокий уровень - впрочем, неожиданный ли? Эстония и в советские времена славилась качественной поп-музыкой. Правда, эстонская джазовая школа была известна куда менее, чем, скажем, литовская - но, как выясняется, дает вполне жизнеспособные плоды не без обоснованной претензии на актуальность. Будем следить за следующими шагами Хедвиг - этот ее международный дебют обещает многое.

Billy Harper - "If Our Hearts Could Only See" 
DIW, 1997
Тенор-саксофонист Харпер в молодости играл у Арта Блэйки и у Гила Эванса - и то и другое в записи отчетливо слышно. Пожалуй, это один из наиболее своеобразных примеров использования стиля Блэйки за последние годы - наряду с работами Валерия Пономарева. Харпер временами пытается даже фри-джаза подпустить - чуть-чуть, по мелочи - но очень деликатно. Запись делал Джим Андерсон, но не на Avatar, а на двух других студиях - Clinton и Sound On Sound - причем сразу живьем, без сведения (или, вернее, live mix'ом). Звучит чуть размыто, чуть притушено, труба Эдди Хендерсона чуть мягковата и вообще все вместе подернуто какой-то звуковой патиной, но это красиво.

Stefon Harris & Blackout - "Evolution"
Blue Note CD 7087 6 18312 2 1V
***
(PLAY) Молодой вибрафонист Стифон Харрис то и дело пытается взбежать на вершину вибрафонного Олимпа, остающуюся в последние годы полупустой. И, главное, имеет для успеха этого предприятия все основания: он прекрасно выучил уроки старших мастеров - Милта Джексона, Бобби Хатчерсона и своего непосредственного учителя, Джо Локка, - и при этом ему есть что сказать своим собственным голосом. Мешает ему пока что только желание заниматься всем сразу и втащить в свою музыку как можно больше разных стилистических элементов, не особенно анализируя, на пользу его музыке они идут или нет. В результате на новом, пятом по счету сольном альбоме Стифон начинает за здравие - изысканным упругим фьюжн в "Nothing Personal", нежнейшим джаз-вальсом в "Until" - а кончает за упокой, размениваясь на гладенький smooth, то и дело начинающий претендовать на чисто концертные демонстрации виртуозности - причем не самого лидера, а молодого альт-саксофониста Кейси Бенджамина, которого тоже, похоже, мучает желание играть сразу все (и, вот в чем беда-то, его технические возможности ему это позволяют!).

The Heath Brothers - "As We Were Saying..." 
Concord Jazz, 1997
Дебют семейного ансамбля ветеранов-Хитов на лейбле Concord: легендарный басист Перси Хит (экс-Modern Jazz Quartet), Джимми Хит (тенор- и сопрано-саксофоны) и Алберт "Тути" Хит (ударные). Плюс еще масса достойнейших музыкантов их же поколения (крепко за 60): тромбонист Слайд Хэмптон, трубач Йон Фэддис и др. Ветеранский состав сделал совершенно ветеранский альбом: стариковски крепкий, мастеровитый, с весьма интересными и "вкусными" моментами - но совершенно такой, будто на дворе первая половина 60-х и надо показать нахальной молодежи, как играют настоящий бибоп. Тем не менее несколько треков - например, 3, 4, а особенно - 8, в первой половине которого Перси Хит играет смачное блюзовое соло на виолончели щипком (!)- могут быть рекомендованы как образчик вполне современного вкуса.
Альбом, спродюсированный Джоном Берком при участии самих братьев Хит, был записан в феврале этого года; микс осуществил Фил Эдвардс в студии PER (Хейуорд, Калифорния). Альбом звучит примерно так, как мог бы звучать бибоп, записываемый в конце 90-х - жесткое, временами слишком массивное звучание с плотным, выпуклым контрабасом (что, безусловно, плюс) и острыми, слегка перемодулированными по верхам ударными. В интимных, камерных пьесах, где звучат в основном тарелки и металлическая перкуссия, это тоже плюс. В пьесах активных - например, на первых двух треках - ощутимый минус.

NEW Hiromi - "Spiral"
Telarc, 2005
65:40
*****
Пианистка и клавишница Хироми Уэхара совсем еще, по джазовым меркам, молода - ей только-только исполнилось 26. 19 лет назад девочка из Сидзуоки поступила в Музыкальную школу Ямаха (где, кстати, проходил обучение и ее "старший антипод" - нью-эйджевая и smooth-пианистка Кейко Мацуи) и получила там незаурядную пианистическую подготовку, благодаря которой в 1999 г. с легкостью получить полную стипендию в легендарном бостонском музыкальном колледже Беркли, главной американской кузнице международных джазовых кадров. Второй альбом Хироми на американском аудиофильном лейбле Telarc, оплоте новых технологий грамзаписи (SACD и Direct Stream Digital прежде всего), являет собой, помимо прочего, и еще один технологический прорыв - к обычному CD приложен DVD с концертным видео пианистки и полной версией альбома в DVD-аудио (формата 5.1). Восемь авторских пьес Хироми, четыре из которых составляют сюиту "Музыка для оркестра из трех человек". Сравнительно с ее первым, тоже очень удачным и креативным, альбомом "Brain" (2004), тембральное развитие (а оно играет здесь не менее важную роль, чем развитие композиционное) идет как бы в обратном порядке - не из зубастого фанка и джаз-рока выкристаллизовывается классическое фортепианное трио, как это было год назад, а, напротив, из музыки трио (словацкий барабанщик Мартин Валихора и бас-гитарист Тони Грей), где доминирует по-японски дисциплинированный и по-американски крепкий пианизм Хироми, начинает прорастать фьюжн, щетинясь жесткими тембрами синтезатора. Снова, как и год назад, запись выполнена без наложений и сведения прямиком в DSD-систему Sonoma (инженер Гас Скинас, студия D, Нэшвилл, Теннеси), но кажется, что мастерство продюсера Майкла Бишопа (да и самой Хироми Уэхары, выступающей в роли сопродюсера) в обращении с этим волшебным новым средством звукозаписи сильно выросло - динамический диапазон огромен, но и тембровая окраска, и обработка звука обогатилась, окутывая музыку множеством новых звуковых пространств - не введенных в нее искусственно, а выявленных в ее массиве,

Hiromi - "Brain"
Telarc, 2004
61:27
****
Хироми Уэхара, 25-летняя уроженка Сидзуоки в семилетнем возрасте поступила в знаменитую Музыкальную школу Ямаха, где получила незаурядную пианистическую подготовку, позволившую ей в 1999 г. с легкостью получить полную стипендию в легендарном бостонском музыкальном колледже Беркли. Помимо отличной техники игры, юная японка обладает также тонким стилистическим чутьем и завидной гибкостью - и интонационной, и ритмической, и жанровой. При первых звуках - жесткий фанковый грув, каркающий синтезатор, затем вступает банальная, но зубодробительно крепкая ритм-секция (соученики по Беркли - барабанщик Мартин Валихора и басист Тони Грэй, которого в трех треках сменяет маститый Энтони Джексон) - кажется, что это новое воплощение еще одной джаз-фанковой выпускницы Беркли - Рэйчел Зи. Но не тут-то было. Стилистические рамки альбома раздвигаются на глазах: начинает звучать акустический рояль (и тут Хироми демонстрирует превосходный, по-японски дисциплинированный и по-американски страстный пианизм!), жанровый вектор меняется на почти smooth, звучит баллада, затем сольное музицирование в стилистике и духе Рахманинова, снова фанк - почти фанк-рок! - с суровыми синтезаторными соло, и опять мягкий, лиричный акустический рояль...
Фирменный "теларковский" аудиофильный звук временами даже слегка портит впечатление - постоянный продюсер Telarc Майкл Бишоп мог бы позволить в тяжелых фанковых номерах, вроде открывающего альбом "Kung-Fu World Champion", несколько более тяжелый и "грязный" звук. Впрочем, оценка ясного, прозрачного и четко структурированного звукового пространства альбома сразу меняется, когда выясняешь, что музыканты сыграли весь материал живьем, без единого наложения, в студии The Sound Kitchen во Франклине (Теннеси), прямиком в систему Direct Stream Digital - на DSD-систему Sonoma. По такой технологии пока что делается очень немного записей, и мы имеем дело с далеко не худшим ее образцом.

NEW Humcrush - "Hirnswoggle"
Rune Grammofon, 2006
****

Трудно дать точное определение стилистике, в которой работает норвежский дуэт Humcrush: что это - джазовая электроника или электронный джаз? Известный норвежский авангардный лейбл Rune Grammofon, вообще говоря, специализируется на самых новых, странных и необычных явлениях в норвежском джазовом авангарде, основная тематика поисков которого сейчас и лежит в области спонтанной импровизации с привлечением значительного количества электроники. При этом по крайней мере один участник Humcrush, а именно 37-летний клавишник Столе Стурлёккен, находится в самом центре этого движения: он - один из основателей ведущей импров-электронной группы Норвегии, Supersilent, которую создал в конце 80-х вместе с двумя другими участниками более ранней формации - фри-джазового трио Veslefrekk. Играл он и более конвенционную импровизационную музыку - например, с бывшим гитаристом легендарного квартета Яна Гарбарека, Терье Рипдалем.
Второй участник дуэта, барабанщик Томас Стрёнен, тоже располагает приличным джазовым опытом - в частности, он играл в квартете шведского пианиста Бобо Стенсона, а в норвежском джазе - буквально со всеми. На этой записи (а это уже второй альбом Humcrush, первый выходил в 2004-м) он в основном оперирует электронными звучаниями - видимо, midi-барабанами. Из тембровой палитры, которой оперирует Столе Стурлёккен, сильнее всего запоминается нарочито аналоговый, часто перегруженный звук меллотрона - чуда техники рубежа 60-70-х, клавишного инструмента, где нажатие каждой клавиши вызывало звучание отдельного кольца магнитной ленты с записью одной ноты одного инструмента (какой запишешь - такой и зазвучит), своего рода аналогового сэмплера.
Музыканты обмениваются краткими ритмическими набросками, после чего барабанщик, развив их в некую повторяющуюся структуру, поддерживает изыскания клавишника, который спонтанно находит и реализует небезынтересные мелодические скетчи. Эти наброски и зарисовки никогда не развиваются дальше предела, который оба музыканта очерчивают уже в первых тактах, хотя богатая фантазия Томаса и Столе позволяет им на протяжении каждой пьесы (обычно - заметим - вполне лаконичной) сохранять определенную звуковую интригу, не дающей угаснуть интересу слушателя. Вроде бы ни сногсшибательной виртуозности, ни захватывающих дух открытий не звучит - а слушатель все равно ощущает, что прикоснулся к творческому поиску двух неравнодушных и заинтересованных в своем деле людей.

Charlie Hunter Quartet - "Songs From Analog Playground"
Blue Note, 2001
60:50
***
Главное, чем прославился 34-летний гитарист Чарли Хантер - это необычный инструмент и, как следствие, необычная игра. У гитары Хантера восемь струн, и он одновременно играет басовые и гитарные партии, причем техникой, которую разработал сам: большой палец правой руки берет басовые ноты, которые на грифе прижимает указательный палец левой; остальное работает как у обычного гитариста. Необычная техника игры дополняется в высшей степени эклектичным стилем, и новый, шестой по счету альбом Хантера на Blue Note, демонстрирует эту эклектику во всей красе. Впервые Хантер пригласил для записи вокалистов - причем сразу четырех, очень разных: это мастер изысканной вербальной импровизации Курт Эллинг, соул-певец Терил ДеКлауэт, более джазовая Нора Джонс и рэппер Мос Деф. Каждый из них представляет разные стороны интересов Хантера - urban и современный креативный джаз во всех их проявлениях. Впечатляет необычная психоделическая версия "Spoonful" Вилли Диксона в нарочито детонирующем исполнении ДеКлауэта, равно как и оба трека с вокалом Эллинга, один из которых, "Close Your Eyes", Курт уже пел на своем одноименном альбоме 1995 г. - но здесь он предстает в крайне необычном виде! Впрочем, и инструментальные треки на изысканно фанковой ритмической основе, с таинственными звуками необычной гитары Хантера и детально проработанными акустическими барабанами, по-своему интересны. Боюсь, лидеру не удалось решить только одну задачу: как добиться от этого разнообразного материала разнообразного звучания. Эмоционально весь альбом воспринимается в одном ключе, и эмоция эта довольно прохладна. Поэтому, несмотря на небанальные звукорежиссерские решения (Джо Ферла), разнообразие тембров и голосов и прочие достоинства, альбом при всей своей эклектичности звучит однообразно.

Оглавление рецензий
Главная страница

главная страница

Уважаемые господа!
Напоминаю, что исключительные авторские и смежные права на размещенные здесь тексты принадлежат их автору - Кириллу Мошкову. Любое воспроизведение этих текстов где бы то ни было (интернет, печать, радиовещание и т.п.) возможно только и исключительно с письменного разрешения автора.